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UN FESTIVAL GRAND CRU

ENTRE TRADITION ET MODERNITE

L'événement culturel le plus médiatisé au monde

"L'HOMME DE L'ARRIERE-PLAN"

SYNOPSIS

Rubén est le garde du corps du Ministre de la Planification. Dans le cadre de représentations officielles mais aussi dans la vie privée, Rubén le suit comme une ombre lors du moindre de ses déplacements. Il mène une existence solitaire et monotone. L'obligation de ne jamais se faire remarquer, entre routine et petites humiliations, fait peser sur les épaules de Rubén un poids néanmoins de plus en plus difficile à supporter.

« L’HOMME DE L’ARRIERE PLAN » (CRITIQUE)

Ruben est le garde du corps du Ministre de la Planification. Il doit le suivre partout y compris dans sa vie personnelle. Il est très professionnel mais il travaille dans la plus complète discrétion et surtout dans une solitude extrême.

Le cinéaste développe un projet unique de scénario : montrer l’enfermement psychologique du personnage, sa solitude, ainsi que sa souffrance qui le mèneront à l’inéluctable tragédie. A partir de cette idée force, le réalisateur a pris un plaisir non dissimulé à transcrire pour l’écran l’intériorité souffrante de son personnage principal, en en faisant le seul et unique point de vue du film. Rodrigo Moreno garde cette ligne de conduite et parvient à développer son cinéma. Un univers visuel homogène et original qui force l’admiration. Dans ce film très étudié et très bien construit, il décrit l’isolement de Ruben ainsi que sa coupure d’avec l’univers qui l’entoure. Plongeant dans la conscience intérieure du personnage, le film nous fait aussi entrer dans l’absurdité de sa situation professionnelle. Ce ministre a-t-il vraiment besoin d’être surveillé ?  Comment Ruben peut-il supporter sa condition et les humiliations qui en découlent?

Dès les premières secondes, on sait qu’on a à faire à du cinéma et que l’on va vivre une tragédie.  Premier plan: Ruben revêt son équipement dans la salle de bain. Il apparaît, de loin, debout derrière une porte entrebâillée. Tout le reste de l’image est plongé dans le noir. Le personnage est étiré, compressé, isolé, littéralement étouffé dans le plan. Moreno poursuit ce travail de déconstruction visuelle du personnage tout au long du film. Il « malmène » son anti-héros dans le cadre. Arrière-plans, flous, découpages du corps en gros plan, hors-champs, plongées, voix-off, perspectives obscures, surexpositions, le film exploite (de manière parfois un tout petit peu forcée) la palette des techniques du langage cinématographique pour exprimer le message clef du film: Ruben est rejeté de ce monde, il n’a pas de place. Par le biais d’un maniement habile de la profondeur de champ, Moreno se sert de l’objectif pour signifier le rejet d’un être dans le milieu où il évolue. Il filme la distance et l’éloignement d’un homme, sans jamais décoller de son sujet. La profondeur de champ pour Moreno c’est l’exclusion et l’inexistence signifiées du garde du corps.  L’acteur n’est quasiment jamais filmé dans son ensemble. Nous ne recevons que des bribes de son humanité, des lambeaux d’images de son corps, des sons qui nous signalent sa présence. Perdu dans des décors et des arrières plans aux lignes verticales (portes, lignes tranchées, décors urbains standardisés, parkings), le personnage est « encastré » dans un univers visuel  régi par les codes et les géométries spatiales arides. La seule ligne de vie qui pourra le faire respirer sera celle de la mer, unique horizontalité du film,  court instant de liberté.  Ainsi Ruben est inexorablement prisonnier d’une vie toute tracée, piégé dans un engrenage psychologique qui le mène au dénouement attendu.

Premier plan du film

Cet univers de cinéma crée très vite un climat dense, dominé par une tension qui va crescendo et qui s’avère écrasante pour le spectateur. Le célèbre Julio Chavez joue avec brio l’angoisse et la claustration de Ruben. Petit à petit nous plongeons dans le silence et l’isolement de ce garde du corps, partageant intimement sa déréliction profonde, sa soumission, allant même jusqu’à comprendre logiquement son geste fatal. Ce final est la seule issue qu’il trouve, son espace de liberté, un des gestes qu’on lui aura certainement appris durant sa formation.

Une tragédie, certes, une idée simple de scénario, certes mais une esthétique soignée pour une heure et demi de cinéma et de régal de cinéphile.

NOTE D’INTENTION DU REALISATEUR

"Ce projet est né dans une rue de Buenos-Aires, un après-midi où j'ai vu un fonctionnaire argentin, protégé par deux gardes du corps. Ces deux hommes respectaient un protocole, une sorte de rituel, de cérémonial, et j'ai été interpellé par leur silence. J'ai ensuite contacté de véritables gardes du corps d'un ministre argentin que j’ai pu suivre : j'ai passé une journée en voiture avec eux, j'avais une petite caméra et nous avons pu faire connaissance. Plus que l'aspect documentaire, je voulais tenter de trouver un point de vue pour les filmer, pour souligner l'absurdité de leur travail. Je me suis vite rendu compte que ma caméra devenait en quelque sorte leur propre garde du corps, l'ombre des ombres, c'est ainsi que le projeta commencé. El Custodio, c'est l'histoire d'un homme dont le métier consiste à remplacer sa propre vie par celle d'une autre personne, avec toute la pression que cela implique, et finalement comment cette pression finit immanquablement par éclater. El Custodio s'éloigne de tout ce que j’ai fait précédemment (…). Je n'avais pas envie de développer cette histoire selon les règles classiques de la structure narrative. Je ne trouvais pas nécessaire de créer un conflit entre des forces dramatiques. En tout cas, ce qui m'intéressait pour ce film, c’était d’utiliser un mode de narration singulier, (…) sans me sentir pressé ni désespéré par les péripéties et le conflit. La structure du film s’appuie sur l’accumulation de pressions sur un personnage qui éclate à la fin du film. Rubén essaie d'être invisible, de passer inaperçu dans la vie publique. Personne ne le voit et personne ne l'écoute. Dans son boulot, si l'on tire, on le fait avec un silencieux. Voilà pourquoi j’ai imaginé un film silencieux, un monde presque sans mots." (Propos extraits du dossier de presse)

RODRIGO MORENO scénariste et réalisateur

"El Custodio" est le premier long métrage réalisé par Rodrigo Moreno. Après avoir remporté en 2005 le Prix du Meilleur Scénario d’Amérique Latine au Festival de Sundance, le film, tout juste achevé, a été sélectionné en compétition à la "Berlinale" du Festival de Berlin de 2006, et y a remporté le Prix Alfred Bauer. En 2002, Rodrigo Moreno a co-réalisé "El Descanso" de Ulises Rosell et Andrés Tambornino, une comédie lauréate du prix du Meilleur film au Festival des Films du Monde (Canada). En 1998, Moreno a déjà écrit et réalisé "Compañeros", dernier épisode de "Mala Epoca", un film co-réalisé. Auparavant, Rodrigo Moreno a mis en scène plusieurs courtsmétrages, dont le premier, "Nosotros" tourné en 1993, a remporté le Prix du Meilleur Film au Festival de Bilbao et eu les honneurs d’une présentation au Forum du Festival de Berlin. Rodrigo Moreno est né à Buenos Aires en 1972. Diplômé de mise en scène de l’Université de sa ville natale, il y dirige une classe de scénarios et de mise en scène depuis 1996 (notes extraites du dossier de presse).

JEAN-PIERRE SINAPI VIENT D'ACHEVER

 LE TOURNAGE DE L'AFFAIRE BEN BARKA

UN TELEFILM POUR FRANCE 2

Le 29 octobre 1965, peu après 12h30, le chef de file de l'opposition de gauche au roi du Maroc Hassan II, Medhi Ben Barka, est interpellé devant la brasserie Lipp par deux policiers français.

Plus jamais on ne reverra publiquement Ben Barka vivant. Trois jours plus tard, la presse annonce l'enlèvement et la disparition du leader marocain.

L'un des plus grands scandales de la Vème république a commencé.

EXCLUSIF !

DECOUVREZ EN IMAGES LES TOUTES PREMIERES PHOTOS DU TOURNAGE

Boulevard St Germain, 5 mars 2007, une des dernières scènes tournées en France non loin de la brasserie Lipp

Le réalisateur, J-P. Sinapi et sa scripte, Barbara Constantine attentifs devant le combo

Une équipe caméra performante

La roulante son (mixage)

Le Bd St Germain prend des allures de studio

Jean-Pierre Sinapi, réalisateur du téléfilm, écoute attentivement les informations de ses assitants

Barbara Constantine, la scripte. Les visages ont le sourire ....

...même si un tournage est toujours un moment éprouvant car il demande une très grande concentration de tous. Une équipe réduite s'aprête à partir au Maroc où elle achèvera le tournage.

Pour le tournage du générique de fin, les machinistes installent une plaque commémorative devant la brasserie Lipp.

La scène clef du film a été tournée. Le téléfilm, qui devrait être diffusé dans deux mois sur France 2, consolide deux productions cinématographiques sur ce thème toujours d'actualité, à un moment où 60 pays, dont le Maroc, viennent de signer la convention internationale sur les disparitions forcées. Le premier film est "l'Attentat" de Yves Boisset (1972), suivi de "j'ai vu tuer Ben Barka" de Serge Le Péron (2005).

Générique

Réalisateur: Jean-Pierre SINAPI

Scénariste: Philippe Madral et Jacques Labib

Scripte: Barbara Constantine

Interprètes: Atmen Kélif, Simon Abkarian, Hippolyte Girardot, Olivier Gourmet...

Caractéristiques

Copyright : 2007

Post-production: SFP

Diffuseur: France 2

                        « JE PEUX TRANSFORMER EN ART CE QUI ME BLESSE »

Après un film qui traitait exactement du même sujet (Truman Capote de Bennett Miller),  Infamous - oublions tout de suite la traduction française du titre - relance l’intérêt créé par le cinéma autour de l’écrivain Truman Capote.

Truman Capote est un new-yorkais intellectuel et mondain. Ecrivain adulé, homosexuel notoire à l’esprit acéré, il est toujours prêt à tout pour faire un bon mot, entouré de nombreuses femmes qui l’adulent. La rencontre avec les tueurs qui lui inspireront « De sang froid » changera à jamais le cours de sa vie. Il écrit son chef-d’œuvre et en ressort transformé à jamais.

Au fur et à mesure qu’il se développe, le film gagne en densité. Ce qui s’annonce comme une comédie de mœurs à la Woody Allen prend lentement un ton plus noir. Le film connaît pourtant quelques maladresses de départ: les interviews qui ponctuent le début du film, quelques scènes un peu forcées et qui s’apesentissent  sur le côté excentrique de l’écrivain ainsi qu’une musique un peu trop présente. Infamous ne brille pas tant par ses mouvements de caméra ni par l’originalité de son montage (peu rythmé et linéaire) que par la grande qualité de son scénario et l’aspect littéraire des dialogues. Petit à petit, il gagne en intensité dramatique et finit par emporter le spectateur au moment de la rencontre entre l’écrivain et les tueurs.  Les entretiens en prison représentent les moments les plus denses et les plus réussis du film, notamment dans la relation entre Capote et le prisonnier Smith. Ainsi le réalisateur opère un glissement progressif mais définitif de la lumière aux ténèbres, de la comédie à la tragédie. Evolution en accord avec la vie de Capote qui passa du triomphe à la tragédie.

La performance de Toby Jones à l’écran donne au film le sceau de la comédie dramatique. Un acteur anglais discret même si les fans de Harry Potter le connaissent bien puisqu’il prête sa voix à l'elfe Dobby dans le deuxième volet des aventures de l'apprenti sorcier créé par J.K. Rowling. Une grande partie du travail de l’acteur a été de restituer la voix si particulière de Truman Capote ainsi que toutes ses manies. Le film permet ainsi de présenter l’écrivain, son anticonformisme mais aussi sa grande vulnérabilité. Etant moins connu du grand public que Philip Seymour Hoffman (le Truman de Miller), il peut mieux s’effacer derrière le personnage de Capote qui nous apparaît très proche et très réaliste. Toby Jones parvient à merveille à nous faire comprendre l’homme divisé entre son image d’artiste frivole et ce qu’il est vraiment, un être grave et souffrant.

Sur ce plan là, le film dévoile un déchirement humain de toute beauté qui trouve son point culminant dans la relation amoureuse qui se noue entre l’écrivain et le prisonnier. Cette rencontre inattendue vient bouleverser la vie de Capote. Il devra être obligé de jouer « carte sur table », livrer son humanité sans se dissimuler derrière les artifices pour que Smith lui fasse réellement confiance et lui confie ses états d’âme. Par la suite, ni les soirées new-yorkaises, ni même l’écriture ne viendront plus combler la détresse de l’homme blessé. En acceptant de lâcher prise et de réellement entrer en relation, l’écrivain renoue avec son humanité propre et des blessures bien enfouies. Parcours pour le moins original où l’auteur réalise qu’il puise dans ses souffrances l’art d’écrire. « Je peux transformer en art ce qui me blesse » finit-il par confier à Smith.

Le film permet ainsi de montrer l’itinéraire intérieur d’un homme amené à une conversion où il est rejoint par sa vie. Un cinéma qui dévoile ce moment profondément spirituel où la vérité de l’existence, aussi brutale soit-elle, ne peut plus se cacher derrière l’artifice et l’image. Point de basculement à partir duquel Truman Capote aurait pu se redresser et poursuivre une belle carrière d’écrivain. On connaît malheureusement la suite…

                "Cette chose qu'on appelle l'amour"

               Chanson écrite par Cole Porter qui fait l'ouverture du film

Qu'est-ce qu'on appelle l'amour ?

Cette drôle de chose, l'amour

Qui peut en percer le mystère ?

Pourquoi ça joue avec mes nerfs ?

Je t'ai vu, un jour enchanté

Tu as pris mon coeur et l'as balancé

Alors je demande à Dieu sans détour

Qu'est-ce qu'on appelle l'amour ?

Tu m'as donné des jours ensoleillés

Et des nuits enchantées

Tu as fait de ma vie un rêve éveillé

Et puis une autre est arrivée

Une autre femme est arrivée

Et l'hiver m'a glacée

Et maintenant esseulée

Je me demande nuit et jour

Pourquoi je t'aime toujours

Qu'est-ce qu'on appelle l'amour ?

Cette drôle de chose, l'amour

Qui peut en percer le mystère ?

Pourquoi ça joue avec mes nerfs ?

Je t'ai vu, un jour enchanté

Tu as pris mon coeur et l'as balancé

Alors je demande à Dieu sans détour

Qu'est-ce qu'on appelle l'amour ?

Découvrez la fiche technique du film, des interviews, des photos et beaucoup d'autres renseignements sur le site d'ARP Sélection ainsi que sur le site officiel du film (langue anglaise)

SORTIE LE 04 AVRIL 2007

COUP DE COEUR

CRITIQUE

Vincent Mandel a bien des ennuis. Terrassé par la perspective d’un divorce qui risque de le priver de ses jeunes enfants, il voit soudain se resserrer sur lui une terrible machination orchestrée par un type collant en diable, Joseph Plender, avec qui il a été au collège lorsqu’ils étaient adolescents. Du travail d’orfèvre qui amène Vincent Mandel au cœur d’une toile d’araignée dont les fils vont peu à peu l’étouffer.

Le scénario du film Le serpent est inspiré du roman de Ted Lewis, Plender. Rapporté dans la  France d’aujourd’hui par le réalisateur Eric Barbier, l’histoire s’insinue doucement dans la banalité du quotidien jusqu’à le faire vaciller. Une vengeance démoniaque, précise, imaginée par un type, sans doute malade mais bien réel. Superbement campé par Clovis Cornillac, Joseph Plender cache, sous une suavité polie et bon enfant, une cruauté maniaque. Blouson de cuir un peu usé, poignée de main franche et regard qui ne se dérobe pas, il est toujours prêt à rendre service aux vieux amis. Face à lui, Yvan Attal en Vincent Mandel se détériore à vue d’œil : la chemise chiffonée, le visage déchiré par le doute et l’œil hagard devant tant de mauvaises coïncidences, il traverse sa vie en somnambule hanté par la peur et l’indécision. Le duel de ses deux personnages/acteurs est un régal !

Dans les décors glacés des villes modernes, le béton qui se prête à toutes les constructions, se prête aussi à toutes les frayeurs une fois la nuit tombée. D’autant plus qu’au fil de l’intrigue, les personnages finissent par vaciller dans leur vision et leur utilisation du Mal. Jusqu’où peut-on aller pour faire triompher la vérité ? On frissonne souvent jusqu’à l’ultime scène et sa vérité glaciale.

Cette critique a été rédigée par Magali Van Reeth assistante au service communication du diocèse de Lyon, également attachée de presse du jury oecuménique du festival de Cannes.

RENCONTRE AVEC LE REALISATEUR DU SERPENT, ERIC BARBIER